Le parcours des Maîtres anciens présente les collections de peinture et de sculpture du musée Fabre de la Renaissance jusqu’au début du XIXe siècle. Avec la redécouverte de l’Antiquité, l’invention de la perspective et le développement d’un modelé toujours plus convaincant, l’art européen s’engage dans un nouveau rapport à la représentation, propre à exalter le sentiment religieux, le goût de la mythologie ou la curiosité pour la nature. En France, en Italie, dans les Pays-Bas ou en Espagne, la diversité des styles se dessine au fil du temps, faisant peu à peu de l’art un domaine autonome, possédant ses règles, ses modèles, ses maîtres.
Cette première section présente l’art des Flandres et des Pays-Bas, de la Renaissance au Siècle d'or. Elle a été constituée par les dons de François-Xavier Fabre (1766-1837), fondateur du musée en 1825, et surtout par le legs d’Antoine Valedau (1777-1836), agent de change et collectionneur né à Montpellier. Le goût de ces amateurs pour les petits tableaux sur toile ou sur bois, illustrant des paysages, des natures mortes méticuleuses ou des scènes de tavernes humoristiques transparait bien dans cet ensemble. La fin de la section souligne le goût des peintres du Nord pour le voyage en Italie.
La suite du parcours se déploie dans l’Hôtel de Massilian, bâtiment originel du musée Fabre à son ouverture en 1828. Elle présente des peintures aux sujets religieux et mythologiques provenant de France, d’Italie ou d’Espagne, de la Renaissance à l’âge baroque. L’essentiel de cette collection a été constituée par François-Xavier Fabre (176-1837). Son intérêt pour l’art de l’Italie, où il résida de 1787 à 1824, est un élément remarquable de cet ensemble. Parmi les nombreux artistes présentés, Sébastien Bourdon (1616-1671), peintre né à Montpellier et actif en Europe, de Rome à Stockholm en passant par Paris, se distingue particulièrement.
A partir de la seconde moitié du XVIIe siècle, la vie des artistes en France se transforme avec la création de l’Académie royale de peinture et de sculpture. De nombreuses œuvres de cette section sont des « Morceaux de réception », peintures qui permettaient aux artistes d’être admis à l’Académie. D’autres œuvres ont été présentées au Salon, grande exposition qui se tenait régulièrement au Louvre. Les structures modernes du monde artistique apparaissent, confrontant les artistes au monde institutionnel, au marché, au public et à la critique. Jean Ranc (1674-1735) et Jean Raoux (1677-1734), deux académiciens nés à Montpellier et qui rencontrèrent un grand succès à Paris et en Europe, sont bien représentés. Si la peinture religieuse demeure vivace, ce sont les mythes antiques qui occupent de plus en plus l’imaginaire des artistes et des amateurs.
L’influence de l’art antique, de même que le goût de l’héroïsme et des sujets vertueux ou sentimentaux tirés de l’histoire grecque et romaine, imprègnent profondément cette section. Le courant néoclassique traverse en effet l’art européen de la fin du XVIIIe siècle au début du XIXe siècle. Les peintures de Joseph Marie Vien (1716-1809), artiste né à Montpellier et initiateur du néoclassicisme, sont nombreuses, comme celles de son protégé Fabre, qui rejoint l’atelier de David (1748-1825), et qui eut à cœur de collectionner les plus belles œuvres des artistes de son temps, de ses maîtres, de ses camarades et de ses amis. Plusieurs œuvres manifestent également un intérêt renouvelé des artistes pour la nature ou les réalités sociales de leur temps. La sculpture enfin est représentée par des chefs-d’œuvre de Jean Antoine Houdon (1741-128) et Augustin Pajou (1730-1809).
La naissance du Romantisme est l’un des points de départ du parcours des collections de peintures et de sculptures modernes. Les grands courants artistiques du XIXe siècle, Orientalisme, Ingrisme, Réalisme, Académisme, Impressionnisme rythment les salles et galeries de l’ancien Collège des Jésuites, jusqu'à l'apparition de l'abstraction qui domine la fin des collections et consacre le renouveau de la peinture au début du XXe siècle jusqu'à l'époque contemporaine.
A partir des années 1820, la peinture et la sculpture sont profondément transformées par la sensibilité romantique. Les artistes puisent dans l’histoire médiévale pour renouveler les sujets, tandis qu’une vision dramatique et déchaînée de la nature se développe. L’exaltation du sentiment et des passions irrationnelles caractérise les œuvres romantiques. Parallèlement, le goût classique se perpétue, en particulier à l’Ecole des Beaux-Arts et à la Villa Médicis, grâce au Prix de Rome, tradition incarnée par le Montpelliérain Alexandre Cabanel (1823-1889) jusqu’à la fin du XIXe siècle. Alfred Bruyas (1821-1877), collectionneur montpelliérain, est le donateur de la plupart des œuvres de cette section. Cet amateur passionné soutint les artistes tout au long de sa vie. Au fil des salles, sa physionomie singulière est immortalisée dans les portraits qu’il commanda à de nombreux peintres.
Les salles 37 à 42 situées au second niveau du collège des Jésuites marquent une rupture franche avec la section précédente et explore l'émergence du monde moderne dans la peinture. Premier héros de cette révolution esthétique, Gustave Courbet (1819-1877) se consacre à une description sans fard du réel, et fait triompher l'expression d'une humanité profonde et vraie. Son amitié avec le collectionneur et mécène Alfred Bruyas vaut au musée Fabre un ensemble considérable de toiles, dont La Rencontre et Les Baigneuses. Le peintre montpelliérain Frédéric Bazille (1841-1870) poursuit cette exploration du réel en jetant les bases d'une nouvelle peinture, l'impressionnisme.
Après les recherches de la fin du XIXe siècle, où le symbolisme restaure dans la peinture le spirituel et le mystère (Carrière...), les avant-gardes du début du XXe siècle vont consacrer l'usage brutal et dynamique de la couleur (Matisse, Van Dongen, Delaunay, Dufy, Chabaud...) mise au service d'une sensibilité toute moderne, de contrastes violents qui annoncent les bouleversements de la Première Guerre mondiale.
La question de la figuration revient sans cesse au cours du XXe siècle et se trouve ébranlée à la fois par les épisodes tragiques de l'histoire mondiale et la tentation de l'abstraction, phénomène majeur de la peinture moderne et contemporaine. Entre les deux guerres, l'art de Jean Hugo (1894-1984) exprime le malaise d'une époque mouvementée et la recherche d'une solution spirituelle salvatrice.
L'œuvre de la sculptrice Germaine Richier (1904-1959) questionne sans relâche l'identité humaine, ébranlée par la Seconde Guerre mondiale, scrutée jusque dans ses profondeurs et ses retranchements. L 'abstraction apparaît au XXe siècle comme une voie nouvelle permettant d'exprimer directement une modernité faite de vitesse, de passions et de sensations colorées. La seconde École de Paris marque à l'issue de la Seconde Guerre mondiale le triomphe d'une génération de peintres (De Staël, Poliakoff, Vieira da Silva...) marqués par un usage lyrique et spontané de la couleur.
Dans une époque marquée par la prolifération des nouvelles technologies de l'image, la persistance de la peinture n'allait pas de soi. Cette section montre comment, à travers l'œuvre de grands maîtres de notre temps, ce médium a su garder toute son actualité et reste un pont entre des siècles d'histoire de l'art.
L'œuvre de Pierre Soulages, né en 1919, s'impose dans les années 50 sur la scène internationale par une impressionnante rigueur, un geste très contrôlé, l'alliance de la lumière et de la matière et une gamme limitée de couleur. La proximité de l'artiste avec le musée Fabre s'est conclue en 2005 par une donation exceptionnelle de 20 toiles, représentative de son œuvre de 1952 à nos jours.
Simon Hantaï, peintre hongrois né en 1922, installé en France en 1948, imprime sur la peinture abstraite un tournant théorique décisif dans les années 60, en favorisant une pratique « à l'aveugle » issue du surréalisme. En utilisant le pliage comme méthode, il fait de la peinture un matériau nouveau qui ouvre la voie à de nouvelles pratiques.
Le groupe Supports / Surfaces (Viallat, Bioulès, Cane, Dezeuze..) reprend en 1969-1972 cette recherche et pousse aux limites la réflexion sur les constituants de la peinture, toiles, châssis couleur, corde... dont les capacités plastiques sont systématiquement explorées.
L’hôtel Sabatier abrite le département des arts décoratifs du musée Fabre. Légué en 1967 par Mme Frédéric Sabatier d'Espeyran, il est un témoignage unique de la société bourgeoise montpelliéraine de la seconde moitié du XIXe siècle. La structure du bâtiment et ses décors conservés au 1er étage permettent de percevoir les usages d’une famille de notables dans ses aspects les plus quotidiens.
Les period rooms du premier étage, ressuscitant les appartements d’apparat du comte Despous de Paul (1825-1899), créent ainsi un rapport privilégié aux œuvres et à une époque, redonnant toute son authenticité au lieu.
La présentation et l’agencement des meubles et des objets d’art du deuxième étage reconstituent des ensembles mobiliers cohérents stylistiquement et chronologiquement, de l'époque de la Régence jusqu’au début du XIXe siècle.
Au rez-de-chaussée, la collection de céramique et d'orfèvrerie du musée Fabre, constituée au gré des donations, legs, dépôts ou achats, compte à ce jour près de 500 pièces. Les acquisitions récentes dans le domaine de la faïence et de l’orfèvrerie languedociennes font de cet ensemble une collection de référence pour les arts appliqués méridionaux.
Dans les espaces du rez-de-chaussée, où se trouvaient à l’origine les communs de l’hôtel particulier, un dispositif de présentation contemporain permet de déployer les collections de céramique et d’orfèvrerie. Le plat historié des ateliers Fontana d’Urbino, offert par François-Xavier Fabre en 1825, ouvre symboliquement le parcours. Premier objet d’art à entrer dans les collections du musée Fabre, ce plat, daté de 1543, constitue le point de départ tant chronologique qu’historique du fonds de céramique. Les faïences françaises sont majoritairement présentes à travers une série significative de vases de pharmacie attribués à Montpellier et de pièces de service de table du XVIIIe siècle dues aux grands centres faïenciers tels que Moustiers, Marseille et Strasbourg. Pour la porcelaine européenne, les collections sont dominées par Meissen et Sèvres. La porcelaine extrême-orientale est présente avec des pièces de la Compagnie des Indes. Un ensemble représentatif de pièces d’orfèvrerie montpelliéraine du XVIIIe siècle clôt le parcours avec des pièces d’une valeur patrimoniale exceptionnelle comme le chef-d’œuvre de maîtrise de Marc Bazille daté de 1782.
Le premier étage de l’hôtel particulier, daté de 1874-1875, constitue le cadre de vie du comte et de la comtesse Charles Despous de Paul. Il est un rare témoignage de l’éclectisme et de l’opulence des intérieurs de la grande bourgeoisie de la seconde moitié du XIXe siècle. L’étage est composé de trois pièces d’apparat prenant jour sur l’Esplanade. La salle à manger revêt un aspect austère avec une décoration d’inspiration Haute Époque. Elle ouvre sur le grand salon de réception, appelé salon vert. Son ornementation luxueuse, inspirée de la fin du XVIIIe siècle, révèle la position sociale du maître de maison. Le salon attenant, dit salon rouge, est une pièce de réception plus intime où règne un certain goût pour la fantaisie. Madame Frédéric Sabatier d’Espeyran hérite de l’hôtel particulier en 1923 à la mort de sa grand-mère, la comtesse Fanny Despous de Paul. Elle conservera précieusement les ensembles mobiliers d’origine des deux salons jusqu’au legs qu’elle fit en faveur du musée Fabre en 1967.
Le deuxième étage de l’hôtel particulier est décoré d’un prestigieux mobilier d’époque XVIIIe siècle. Selon la volonté de Madame Frédéric Sabatier d’Espeyran, les meubles et objets d’art provenant de son appartement parisien situé au 41 avenue Hoche, y sont exposés suite au legs consenti en 1967. L’étage, dépourvu de ces ensembles mobiliers d’origine, fut aménagé et la muséographie repensée pour permettre leur présentation. La richesse de la collection témoigne des goûts raffinés et éclairés des grands amateurs d’art que furent les Sabatier d’Espeyran. Elle est composée d’œuvres remarquables estampillées par les maîtres menuisiers et ébénistes les plus fameux du XVIIIe siècle. En 2002, le legs de l’antiquaire montpelliérain Jean-Pierre Rouayroux est venu enrichir avec pertinence les collections d’arts décoratifs du musée Fabre. La cohérence des ensembles rassemblés permet de suivre et d’apprécier l’évolution du mobilier français de l’époque Régence au début du XIXe siècle.
Cette première salle présente un ensemble de tableaux de la Renaissance au XVIIe siècle peints par des artistes originaires de Flandres, l'actuelle Belgique. Après un premier moment dédié à la peinture primitive et maniériste, où se distingue le superbe panneau de la Résurrection par le maître de Dreux Budé, le visiteur peut découvrir un ensemble de tableaux d'histoire manifestant l'influence de Rubens ainsi que des natures mortes et bouquets de fleurs très étudiés. La salle se termine par un groupe exceptionnel de tableaux de Teniers et de ses émules, illustrant de joyeuses scènes de taverne et de tabagie.
Cette salle marque le début des collections de peinture des Pays-Bas du XVIIe siècle. Le visiteur peut y découvrir un bel ensemble de tableaux marqués par une gamme monochrome du gris au brun, un style d'une grande subtilité encouragé par l’école d’Haarlem. Les batailles de Wouwerman, le paysage de Ruisdael et la scène de genre de Ter Borch se distinguent particulièrement.
Le parcours hollandais se poursuit avec les scènes de genre vives et bigarrées de Jan Steen, Gérard Dou et Willem Kalf. Les tableaux précieux de Gabriel Metsu, Van Mieris et Gerrit Berckheyde évoquent l'univers élégant et raffiné de la fin du XVIIe siècle aux Pays-Bas.
La peinture animalière et cynégétique flamande et hollandaise de la seconde moitié du XVIIe siècle est ici représentée. La grande chasse au sanglier de Hondius côtoie les trophées de Weenix, les tableaux d'oiseaux d'Hondecoeter, les natures mortes brillantes de Huysum ou les étranges sous-bois de Van Mieris. Ces tableaux, marqués stylistiquement par le baroque européen, sont grandioses, spectaculaires et ostentatoires.
Cette salle évoque les peintres nordiques, Flamands et Hollandais, qui voyagèrent en Italie tout au long du XVIIe siècle, et dont les tableaux furent marqués par la géographie de la péninsule. Rassemblés dans la confrérie des Bentvueghels ("la bande des oiseaux"), ces artistes se réunissaient dans des tavernes et s'entraidaient dans la Ville éternelle. Rentrés dans les provinces du Nord, ces peintres proposèrent à leurs clients des scènes de genre où se mêlent la truculence de la peinture nordique à la lumière dorée de l'Italie.
La suite du parcours se déploie dans l’Hôtel de Massilian, bâtiment originel du musée Fabre à son ouverture en 1828. Elle présente des peintures aux sujets religieux et mythologiques provenant de France, d’Italie ou d’Espagne, de la Renaissance à l’âge baroque. L’essentiel de cette collection a été constituée par François-Xavier Fabre (176-1837). Son intérêt pour l’art de l’Italie, où il résida de 1787 à 1824, est un élément remarquable de cet ensemble. Parmi les nombreux artistes présentés, Sébastien Bourdon (1616-1671), peintre né à Montpellier et actif en Europe, de Rome à Stockholm en passant par Paris, se distingue particulièrement.
Cette salle, comme la précédente, existe depuis l’origine du musée Fabre. Elle était consacrée à la présentation des sculptures de marbre. Dans une ambiance intime et précieuse sont présentés des petits formats italiens autour de 1600, significatifs de l’époque de la Contre-Réforme en Italie. Ces œuvres religieuses d’Allori, Elsheimer, Cigoli, l’Albane et bien d’autres, font le lien entre le maniérisme du XVIe siècle et la peinture du XVIIe présentée dans la salle suivante.
Cette vaste galerie est ornée d’une frise néo-étrusque réalisée par Thomas Baroffi, sur commande de Fabre. Elle confronte la peinture italienne et française du XVIIe siècle. La diversité de la peinture italienne, sous l’influence de Caravage (Pretti, Ribera, Spada, Glielmo, Vaccaro, Vitale), du maniérisme finissant (Cigoli) et du classicisme bolonais (Dominiquin, Cagnacci) y est évidente. Les œuvres de Poussin, Vouet, Blanchard, Bourdon et Le Sueur montrent l’affirmation de la peinture française entre 1630 et 1670 face aux modèles italiens et la variété des tendances (atticisme, vénétianisme, baroque).
Cette vitrine aménagée de bois précieux relie les deux ailes de l’hôtel de Massilian. Elle rend hommage aux grands donateurs Fabre et Valedau. Des vases antiques, des objets d’art, des sculptures de bronze et des miniatures illustrent l’éclectisme du goût de ces collectionneurs.
Cette salle autrefois appelée salle du Trésor, appartenait déjà au premier musée Fabre, et présentait les collections de dessin et de gravure. Elle propose aujourd’hui un ensemble de tableaux de Jean Ranc, peintre d'origine montpelliéraine qui contribua, au début du XVIIIe siècle, au triomphe du goût rocaille dans l’art français, aussi bien dans la peinture mythologique que dans le portrait.
Autour d’un ensemble exceptionnel d’une dizaine de morceaux de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture, la Galerie des colonnes propose un panorama de l’évolution de la peinture d’histoire au XVIIIe siècle, des grands formats de Coypel et Restout, au coloris brillant encore marqués par la majesté du siècle de Louis XIV, jusqu’à la touche virtuose, sensuelle et mouvementée des peintures rocailles de De Troy, Dandré Bardon, Raoux, Natoire, Deshays ou Trémollière, jusqu’à la sévérité monumentale des toiles néoclassiques de Vien, Le Lorrain, des frères Lagrenée, Suvée, et enfin Fabre, qui clôt la Galerie. C’est sous l’œil malicieux du Voltaire de Houdon que se joue ici un siècle d'histoire de la peinture.
Des années 1730 à 1760, Natoire, Subleyras, Vien puis Fragonard furent successivement marqués par leur séjour à l'Académie de France à Rome. Les artistes développent dans la Ville Éternelle un langage artistique d'une grande force expressive, alliée à un brio pictural et chromatique séduisant. Locatelli, Panini et Guardi sont quant à eux trois représentants de l'art du paysage italien au XVIIIe siècle.
Cette pièce, salle des catalogues de l’ancienne bibliothèque municipale, évoque les transformations de la société au Siècle des Lumières. Tandis que Greuze offre à ses humbles figures du monde paysan une noblesse et une grandeur encore inconnue qui enthousiasma Diderot, Aved, David et Pajou se font les portraitistes de l’émergence de la bourgeoisie dans la société du XVIIIe siècle.
Autour des chefs-d’œuvre sculptés de Houdon L’Eté et L’Hiver, un ensemble représentatif de la peinture d’histoire néoclassique de Hallé, Vien et de ses élèves Vincent, Suvée et Saint-Ours se déploie ici. La peinture religieuse se renouvelle, mais c'est surtout le culte de la vertu antique qui imprègne ces tableaux, annonçant la Révolution Française à venir.
Cette galerie, ancienne salle de lecture de la bibliothèque, propose un ensemble important de toiles de François-Xavier Fabre, fondateur du musée, de ses académies peintes à Rome à ses paysages héroïques inspirés de Nicolas Poussin, en passant par ses sujets religieux et ses portraits. Les œuvres de son maître David et de ses contemporains Canova, Bartolini, Gauffier, Boguet, Voogd et Hackert offrent des contrepoints à ces tableaux.
Cette salle présente un ensemble de peintures et de sculptures liées à l'histoire de Montpellier au Siècle des Lumières. Les deux esquisses en terre cuite de Pajou et de Moitte gardent le souvenir des projets de décors pour la Promenade du Peyrou. Le buste de Jean-Baptiste Riban et celui du député à la Convention Beauvais de Préault évoquent le séjour d'Augustin Pajou à Montpellier. Un ensemble de peintures d’artistes liés à Montpellier et au Languedoc accompagnent ces sculptures (Fabre, Coustou, Van der Burch, Pillement).
Les peintures de cette salle évoquent le goût raffiné, élégant et sentimental de la peinture sous le Premier Empire et la Restauration, caractéristique de la collection du donateur Antoine Valedau, émule de Fabre. Les tableaux tardifs de Greuze sont marqués par le style néoclassique, tandis que les paysages de Swebach, Demarne, Pillement et Taunay, les natures mortes de Jensen et Berjon et la scène de genre de Boilly ont en partage une saveur minutieuse inspirée de la tradition hollandaise.
L’atmosphère créatrice de l’Académie de France à Rome de la fin du XVIIIe siècle est évoquée ici, à travers les esquisses peintes par ses plus brillants élèves, Fabre, Girodet, Desmarais, Meynier, Lethière, Mérimée, cherchant tous à imiter le sens du drame de leur maître David. Gagneraux et Gauffier, par leur intérêt commun pour le paysage, proposent un art alternatif, fait de douceur et de sentiment.
La fascination européenne pour la lumière dorée de l’Italie et la beauté pittoresque de ses sites transparaît dans les paysages de Fabre, Chauvin, Voogd, Wright of Derby, Sablet, Hackert, Rheinardt ou Simon Denis. Les portraits des protecteurs de Fabre, Madame d’Albany et le poète romantique Vittorio Alfieri, mais aussi des époux Bertin, les Grimaldi ou le jeune Edgar Clark, illustrent les talents de portraitiste du fondateur du musée, dont l'Autoportrait âgé domine la pièce.
Débutant le parcours moderne et contemporain, cette galerie voûtée abrite majoritairement un ensemble de tableaux de tirés de la collection Bruyas. Ces petites toiles de cabinet illustrent des scènes galantes et sensuelles, selon le goût de Bruyas aux débuts de sa carrière de collectionneur.
Cette salle voûtée abrite des œuvres romantiques de grand et petit format, réunies pour leur goût de l’anecdote, qu’il s’agisse de paysages pittoresques des régions françaises et italiennes, ou de sujets tirés de l’histoire de France, illustrant la veine « troubadour ». Au centre, un plâtre monumental du sculpteur romantique Auguste Préault représente le grand financier Jacques Cœur, montpelliérain d’adoption.
Cette longue galerie largement ouverte sur la cour Bazille rassemble des œuvres issues en particulier de la collection d’Alfred Bruyas, des paysages de Barbizon, des tableaux de jeunesse d’Alexandre Cabanel, des sculptures animalières de Barye, des tableaux réalistes de Tassaert. Les nombreux portraits du collectionneur témoignent de ses contacts privilégiés avec les artistes de son temps.
Autour des tableaux de Delacroix issus de la collections Alfred Bruyas, sont réunies des figures du mouvement romantique, depuis ses origines (Granet, Forbin), jusqu’à ses contemporains (Géricault, Cogniet, Scheffer, Boulanger, Sigalon, Chenavard). Toutes ces œuvres manifestent un même penchant pour l’expression tourmentée des sentiments, ainsi que des teintes sombres et inquiétantes.
Autour de la personnalité d’Ingres chef de file de l’école classique, est réuni un ensemble d’œuvres, témoins de l’enseignement à l’école des Beaux-Arts. La primauté du dessin, l’exécution lisse et soignée, l’anatomie détaillée des modèles, la précision des détails archéologiques révèle l’apprentissage rigoureux que le séjour à la Villa Médicis, à Rome, vient conclure. Court, Papety, Lehmann, Bénouville et Cabanel s’inscrivent résolument dans cette esthétique.
Cette salle rend hommage au peintre montpelliérain Alexandre Cabanel en réunissant un ensemble représentatif de toute sa carrière, dans les sujets d’histoire comme dans le portrait. Ce peintre, emblématique d’un art clair et élégant, triompha sous Napoléon III. Il dialogue avec des peintures de ses contemporains.
Cette galerie lumineuse est une terrasse couverte située entre les cours Bazille et Bourdon. Elle témoigne de la diversité de la sculpture du XIXe siècle à travers les œuvres de Injalbert, Delaplanche, Barrias, Mengue, Gumery.
Le grand puits de lumière au centre de cette salle permet un éclairage zénithal qui met en valeur les seize tableaux de Gustave Courbet parmi lesquels Les Baigneuses et La Rencontre, chefs-d’œuvre de de la peinture réaliste, issus de la collection Alfred Bruyas. L’antichambre de la pièce présente des artistes associés au courant réaliste (Bonvin, Jeanron, Tassaert, Leleux).
Cette salle est consacrée à l’œuvre de Frédéric Bazille (1841-1870), peintre originaire de Montpellier et précurseur du mouvement impressionniste.
Dans les années 1860, il se lie d’amitié avec les peintres Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley ou encore Édouard Manet, dont les œuvres sont également présentées dans la salle.
L’ensemble témoigne des recherches communes de ces artistes qui emploient des tons vifs et clairs en rupture avec la tradition.
Dans les années 1860, il se lie d’amitié avec les peintres Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley ou encore Édouard Manet, dont les œuvres sont également présentées dans la salle.
L’ensemble témoigne des recherches communes de ces artistes qui emploient des tons vifs et clairs en rupture avec la tradition.
Ce couloir présente des œuvres post-impressionnistes comportant deux directions nouvelles empruntées par les peintres : le pointillisme et la division de la touche d'une part ; le cloisonnement d'autre part.
Ce cabinet réunit le dernier tableau laissé inachevé par Frédéric Bazille aux côtés d’œuvres exécutées par d’autres membres de l’avant-garde parisienne à la fin du Second Empire (Henri Fantin-Latour, Edgar Degas) et d’autres dont les sujets entrent directement en résonance avec l’œuvre de Bazille.
Riche de dépôts exceptionnels du Musée National d’Art Moderne, cette salle montre l’importance de la couleur à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle à travers la naissance des avant-gardes picturales. Henri Matisse, Natalia Gontcharova, Sonia Delaunay sont notamment représentés dans cette grande salle de peintures.
Dans ce couloir sont présentées des œuvres de l’École de Paris où l’abstraction triomphe autour des années 1950-1960. Les œuvres de Bissière, Vieira da Silva, De Staël, Poliakoff, Arpad Szenes témoignent de la vitalité et de l’originalité de la création en France au sortir de la guerre.
Cette salle d’exposition, dévolue à la sculpture, est consacrée à l’un des plus grands sculpteurs du XXe siècle, Germaine Richier, qui fit ses études à l’école de Beaux-Arts de Montpellier, sise alors au rez-de-chaussée du musée. Des œuvres de ses maîtres, Guigues à Montpellier et Bourdelle à Paris, sont également présentées. Restée fidèle à ses racines, elle s'inspire également de la faune méridionale pour ses êtres hybrides, où se révèle la part animale qui habite et déchire l'humanité.
Cette salle ouvre le parcours des collections contemporaines que la rénovation du musée a permis de mettre en valeur. Elle abrite la donation exceptionnelle faite par Pierre Soulages en 2005 à l’Agglomération de Montpellier, des premiers tableaux de 1952 au « noir lumière » des années 90.
Premier niveau du bâtiment contemporain venant fermer le périmètre du musée, cette salle bénéficie d’une très grande hauteur de plafond et d’un éclairage latéral à travers des panneaux de verre diffusant. Dans cet espace baigné de lumière sont présentés les grands formats de Pierre Soulages, qui a participé à la conception muséographique de la salle.
Cette salle, consacrée à la donation et aux dépôts du galeriste Jean Fournier au Musée Fabre, présente un ensemble exceptionnel de peintures abstraites françaises et américaines des années 1950 à nos jours.
Les galeries contemporaines, constituées de quatre salles voutées qui terminent le parcours des collections, sont le cœur battant du musée. Elles ouvrent une fenêtre sur l'art de notre temps et proposent des accrochages régulièrement renouvelés : monographies d'artistes, dernières acquisitions, créations récentes...
L’art de la faïence apparaît à Montpellier dès la fin du XVIe siècle : son essor s’appuie sur le développement des fondations hospitalières et des apothicaireries pour lesquelles sont créés de nombreux vases destinés à contenir la riche pharmacopée du temps. Les pièces les plus anciennes, attribuées à Pierre Estève, portent l’influence de l’Italie avec une palette polychrome limitée au bleu, vert, jaune et brun-violet. Au XVIIe siècle, les créations se caractérisent par de grands vases de pharmacie au décor de grand feu en camaïeu bleu et brun, très proche de ce que propose Marseille à la même époque. Les décors exotiques « au Chinois » et les scènes champêtres sont autant de motifs qui se retrouvent sur les carreaux de revêtement. La manufacture la plus importante est celle de Jacques Ollivier qui obtient un privilège royal en 1725. Au début du XVIIIe siècle, elle développe une importante production de faïence ornée d’un décor à la Berain, très graphique, en camaïeu bleu, contemporaine des modèles de la fabrique Clérissy de Moustiers.
À l’époque de la Renaissance, l’art de la faïence se développe en Italie sous le nom de majolique. Dès le XVe siècle, les artisans italiens maîtrisent la technique dite de grand feu : elle consiste à recouvrir une pièce d’argile d’un émail stannifère (à base d’étain), de couleur blanche, sur lequel est peint un décor polychrome limité au bleu, vert, jaune, rouge et brun-violet. Au XVIe siècle, Urbino doit sa réputation aux majoliques à décor « a istoriato » qui représente une scène historiée comme le plat figurant L’Enlèvement d’Hélène , signé d’Orazio Fontana. A Faenza, centre qui a donné le nom de faïence, est créé le décor « a compendiario » : sur l’émail blanc, le décor est esquissé, réduisant la palette à deux tons, le bleu et le jaune. Il aura une influence durable sur toute la faïence européenne. Le centre de Savone connaît au XVIIe siècle un essor important, ses décors en bleu et blanc se retrouvent partout en Europe. A la fin du siècle, Pavie crée un style original en camaïeu gris et brun-violet. Ses décors de ruines rappellent les créations montpelliéraines contemporaines.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, les faïenciers se plient à la mode du moment et produisent un nombre considérable de pièces ornées de motifs floraux naturalistes, à fond jaune ou blanc, conservant une technique de grand feu. Cette production se développe dans tout le sud de la France, à Moustiers, à Marseille, à Montpellier et dans des fabriques secondaires comme Varages en Provence : les contrats passés entre propriétaires de manufactures et maîtres faïenciers favorisent les échanges entre les ateliers et les transferts de modèles sont nombreux. Le commerce prospère et des faïenciers moustiérains viennent en Languedoc développer une production étroitement liée à leur ville d’origine. Les décors sont similaires entre ces différents centres. Seule la forme permet éventuellement de connaître la provenance des pièces. A la différence de Marseille, Moustiers ou Varages, les faïenciers montpelliérains ne semblent pas avoir maîtrisé la technique du petit feu permettant de varier la palette des couleurs, avec par exemple le rose, qui rappelle les décors de porcelaine.
Strasbourg est l’un des centres faïenciers les plus brillants du XVIIIe siècle. Grâce à la cuisson de petit feu, qui permet la maîtrise de l’or et de la couleur rose, la manufacture Hannong joue sur une palette plus variée et plus nuancée dans ses décors. Dès les années 1740, une éclatante polychromie permet à la manufacture alsacienne de créer un répertoire floral naturaliste qui rivalise avec les meilleures créations porcelainières. Les pièces les plus courantes sont produites en style dit « contourné », avec un cerne noir délimitant les motifs, alors que la qualité fine – sans contour – est réservée aux pièces les plus précieuses.
Les usages du service à la française, liés à l’essor de la gastronomie, favorisent l’industrie céramique : le repas s’organise en plusieurs étapes (hors-d’œuvre, entremets, viandes…) où sont apportés simultanément plusieurs plats, nécessitant de nombreuses pièces de service. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le goût de la clientèle se tourne vers les décors floraux polychromes composés de fleurs roses.
Les usages du service à la française, liés à l’essor de la gastronomie, favorisent l’industrie céramique : le repas s’organise en plusieurs étapes (hors-d’œuvre, entremets, viandes…) où sont apportés simultanément plusieurs plats, nécessitant de nombreuses pièces de service. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le goût de la clientèle se tourne vers les décors floraux polychromes composés de fleurs roses.
La création de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, en 1602, entraîne l’arrivée massive en Hollande de porcelaines chinoises, produit de luxe et objet d’un commerce lucratif. La fascination des porcelaines extrême-orientales engendre un renouveau de l’industrie faïencière qui assure le triomphe des manufactures de Delft dès 1660. La maîtrise des techniques de céramique permet aux faïenciers de copier l’apparence de la porcelaine : sa finesse, sa brillance et les décors en bleu et blanc, inspirés des porcelaines Ming. L’imitation delftoise est si convaincante qu’on appela abusivement cette production « porcelaine de Delft ». Elle est principalement tournée vers la fabrication d’objets décoratifs : les plaques murales et les vases de garniture sont des objets emblématiques. Le décor, qui essaime dans toute l’Europe, se compose de deux répertoires : l’oriental et l’européen. Au début du XVIIIe siècle, l’importation de porcelaines de Chine et du Japon, peintes en émaux de couleur, incite les faïenciers à produire des ouvrages à décor polychrome.
La porcelaine apparaît en Chine au début de l’ère chrétienne. Fabriquée à partir d’une argile à la blancheur exceptionnelle, le kaolin, elle fascine les Européens qui durant des siècles vont rechercher le secret de cette céramique à la fois translucide, brillante et sonore. Son nom provient du mot italien porcellana : coquillage blanc et poli dont on crut qu’il entrait dans la composition de cette matière mystérieuse. Les porcelaines chinoises sont exportées en Europe dès le XVIe siècle. Le développement des routes maritimes et les créations des Compagnies des Indes favorisent le commerce des précieuses céramiques destinées pour une grande part à l’exportation ou exécutées à la demande des Occidentaux. Le succès est tel que la ville de Jingdezhen, principal centre de production chinois, se transforme en une cité protégée interdite aux étrangers afin de conserver le secret de fabrication. Le Japon produit de la porcelaine dès le début du XVIIe siècle à Arita. Les décors Imari, très convoités au XVIIIe siècle, sont simultanément copiés en Europe comme en Chine.
Le secret de fabrication de la porcelaine n’est connu en Europe qu’au XVIIIe siècle. La manufacture de Meissen, fondée en 1710 par le prince électeur de Saxe, Auguste le Fort, est la première à produire des porcelaines en pâte dure, semblables à celles de la Chine, grâce à la découverte de gisements de kaolin en Saxe. En France, la manufacture de Vincennes, transférée à Sèvres en 1756 sous le contrôle de la Couronne, rivalise avec la manufacture allemande en produisant de la porcelaine tendre artificielle, sans kaolin, faute d’argile indispensable à la véritable porcelaine. Par leur qualité et leur style, les porcelaines de Sèvres, marquées au chiffre du roi Louis XV, acquièrent une renommée inégalée avec des décors polychromes raffinés, des fonds colorés, dont les fameux bleu lapis et bleu céleste, et des décors d’or, privilège absolu de la manufacture royale. La découverte de kaolin en 1768 à Saint-Yrieix-la-Perche, en Limousin, entraîne la commercialisation des premières porcelaines dures de Sèvres et la création de nouvelles manufactures à Paris et à Limoges.
Montpellier, qui vit apparaître le poinçon de ville vers 1220, occupe une place unique dans l’histoire de l’orfèvrerie française. Dès le XIIIe siècle, les orfèvres sont réunis en corporation qui organise le métier et réglemente la fabrication des objets en métal précieux. En 1427, est créé à Montpellier un premier poinçon-date, constitué d’une lettre de l’alphabet changeant chaque année, qui atteste du bon aloi du métal employé. Ce système de contrôle se généralise à toute la France à partir de 1506. Dans la capitale administrative du Languedoc, qui connaît un essor économique important au XVIIe siècle, de véritables dynasties familiales de maîtres orfèvres se constituent. Au XVIIIe siècle, l’une des plus renommées est la dynastie Bazille. Trois générations sont ici représentées avec des pièces de Marc Bazille, de son fils, Paul David, et de son petit-fils, Marc David Pascal, dont le musée possède le chef-d’œuvre de maîtrise: un hochet à dix clochettes. Cet ensemble d’orfèvrerie civile illustre le raffinement atteint par les maîtres orfèvres languedociens sous l’Ancien Régime.
Les ouvrages de l’orfèvrerie civile, à usage domestique et quotidien, révèlent les goûts et les mœurs des sociétés aristocratique et bourgeoise. Au XVIIIe siècle, l’étiquette du service à la française régit l’ordonnancement de la table qui se garnit de vaisselle d’argent dont la fabrication coûteuse est concurrencée par les productions de faïence et de porcelaine qui atteignent leur apogée. La dégustation des breuvages exotiques, introduits en France au XVIIe siècle, est prétexte à la création de récipients nouveaux : théières, cafetières et chocolatières, pour lesquels les orfèvres mettent en œuvre toute leur virtuosité. Pour l’intimité des cabinets privés, ils créent des accessoires raffinés destinés à la toilette tels que l’aiguière et son bassin. Les œuvres réunies par les Sabatier d’Espeyran témoignent de l’évolution des formes et des décors : les lignes mouvementées et souples chères au style rocaille cèdent peu à peu la place à une plastique plus géométrique et épurée, dès les années 1770, inspirée de l’Antiquité.
Les proportions et l’ornementation de l’escalier participent au faste de la demeure. Dans la tradition des escaliers monumentaux des hôtels particuliers de l’époque classique, il occupe en plan et en élévation une place considérable. Sa décoration murale est un remarquable exemple d’un style tout en trompe-l’œil de la seconde moitié du XIXe siècle. Les panneaux en faux-marbre imitent le campan vert, le sarrancolin et la brèche grise ou blanche. Les lambris d’appui en faux-bois imitent l’acajou. Un mobilier de fonte orne l’escalier : un lampadaire à gaz, et un porte-chapeaux-porte-parapluies de marque Corneau Frères à Charleville. Sur le premier palier, deux bustes représentent des membres illustres de la famille de Madame Sabatier d’Espeyran. Le portrait de son grand-oncle, le Cardinal de Cabrières, évêque de Montpellier de 1873 à 1921, est dû à Jean Antoine Injalbert. Celui du Baron Augustin Creuzé de Lesser, Préfet de l’Hérault de 1817 à 1830, fut sculpté en marbre par Auguste Baussan.
Les proportions et l’ornementation de l’escalier participent au faste de la demeure. Dans la tradition des escaliers monumentaux des hôtels particuliers de l’époque classique, il occupe en plan et en élévation une place considérable. Sa décoration murale est un remarquable exemple d’un style tout en trompe-l’œil de la seconde moitié du XIXe siècle. Les panneaux en faux-marbre imitent le campan vert, le sarrancolin et la brèche grise ou blanche. Les lambris d’appui en faux-bois imitent l’acajou. Un mobilier de fonte orne l’escalier : un lampadaire à gaz, et un porte-chapeaux-porte-parapluies de marque Corneau Frères à Charleville. Sur le premier palier, deux bustes représentent des membres illustres de la famille de Madame Sabatier d’Espeyran. Le portrait de son grand-oncle, le Cardinal de Cabrières, évêque de Montpellier de 1873 à 1921, est dû à Jean Antoine Injalbert. Celui du Baron Augustin Creuzé de Lesser, Préfet l’Hérault de 1817 à 1830 fut sculpté en marbre par Auguste Baussan.
Le vestibule d’entrée introduit le visiteur dans les appartements publics de la demeure. Il ouvre sur le grand salon de réception. Le portrait d’Eugène Despous (1786 - 1867), les miniatures et les souvenirs de famille invitent à la rencontre des premiers habitants des lieux. Les luminaires composés de bouquet de fleurs de lys et de roses apportent tout leur éclat au mobilier de bois noirci rehaussé de riches bronzes dorés. La décoration révèle d’emblée le luxe des aménagements intérieurs du XIXe siècle. Elle est enrichie par de récentes acquisitions : le meuble d’appui orné de médaillons en bronze argenté et une remarquable paire de meubles d’appui, attribuée à Béfort fils. Leur marqueterie de laiton et de corne bleue dans le style d’André-Charles Boulle s’allie aux plaques de porcelaine qui rappellent les prestigieuses productions néoclassiques de Martin Carlin. Deux statuettes en porcelaine de Meissen du XIXe siècle complètent le décor.
L’antichambre prend jour sur la rue Montpelliéret et la cour de l’hôtel particulier. Placée à l’arrière des salles de réception, cette pièce était initialement un espace de service occupé par l’office. La décoration recomposée en fait un vestibule intérieur donnant accès à la salle à manger. Elle accueille un mobilier d’époque Restauration : un meuble d’entre-deux orné de laque du Japon, estampillé de Béfort Père et quatre chaises en bois doré, garnies de lampas broché et damas des Indes. Elles proviennent d’un important mobilier de salon légué par Alfred Bruyas en 1876. Des portraits de la famille Sabatier, datés du XIXe siècle, décorent l’antichambre. Un tableau de Gustave Ricard et un buste en marbre de Lorenzo Bartolini représentent Caroline Ungher, célèbre cantatrice viennoise et égérie de Beethoven. Son époux, François Sabatier est portraituré par Eugène Devéria. Brillante figure intellectuelle, il fut le défenseur de l’art moderne de son ami Gustave Courbet.
Dans un esprit historiciste, une ambiance néo-XVIIe siècle règne dans la salle à manger. Le papier peint mural, produit par la manufacture Balin à Paris, imite les cuirs dits de Cordoue, dorés et repoussés. Un mobilier d’époque XVIIe siècle orne la salle: une armoire du Languedoc, des émaux de Limoges, une tapisserie de Bruxelles, un tableau de Pieter Wouwerman. En revanche, le cabinet en marqueterie d’os, les tableaux de Ferdinand Roybet dans le goût de Franz Hals ou les seaux à glace de l’orfèvre Froment Meurice sont datés du XIXe siècle et contribuent à une vision idéalisée de l’Ancien Régime. Les boiseries peintes en faux bois ont été conçues avec de nombreux détails pratiques : des tablettes dessertes, que l’on abaissait au moment des repas, sont dissimulées dans les lambris d’appui. Le service était facilité par un monte-plat, commodément logé derrière la petite porte, dans l’angle de la pièce. Il reliait autrefois la salle à manger à la cuisine située au rez-de-chaussée.
Le salon vert tire son nom de la couleur de la brocatelle brochée, au motif de grandes fleurs, qui pare les rideaux et les nombreux sièges. Son ornementation puise dans le répertoire décoratif de la fin du XVIIIe siècle. Les lambris gris de hauteur, rehaussés de dorure, sont couronnés de médaillons à l’effigie du roi Louis XVI qui témoignent de la fidélité de la famille aux idées royalistes. Deux glaces dorées vis-à-vis, ornées de cariatides et d’atlantes, forment le principal centre d’attraction décoratif du salon. Face à l’imposante cheminée en marbre de Carrare, deux grands vases en porcelaine de Sèvres sont montés en bouquet de fleurs de lys et de roses en bronze doré. La table de milieu, les tables à jeux assorties et le meuble d’appui constituent un remarquable ensemble de meubles en bois noirci marquetés de pierres dures. Dans les deux tables jardinières poussait autrefois toute une flore d’appartement.
Le salon rouge est la pièce de réception intime où triomphe l’art du tapissier. Aux murs, le décor est composé de tentures de brocatelle rouge et de lambris de bois noir doré. Ils sont ornés d’un ensemble de six tableaux du XVIIIe siècle de Tiebout Regters (1710-1768), représentant les ancêtres hollandais de la comtesse Despous de Paul. Le mobilier assorti au décor est composé de sièges capitonnés. Leur garniture est faite du même damas que les rideaux. Le piano des facteurs marseillais Boisselot et Fils est la pièce maîtresse du salon. La présence de l’instrument ajoute à la dimension intime de l’endroit. Au centre de la pièce, la table bureau imite les modèles de bronzes dorés de Charles Cressent (1685-1768), ébéniste fameux de l’époque Régence. Les bronzes dorés des meubles d’ébénisterie de bois noirci et des patères reprennent l’iconographie galante du XVIIIe siècle avec des figures de putti et d’Amours.
Les proportions et l’ornementation de l’escalier participent au faste de la demeure. Dans la tradition des escaliers monumentaux des hôtels particuliers de l’époque classique, il occupe en plan et en élévation une place considérable. Sa décoration murale est un remarquable exemple d’un style tout en trompe-l’œil de la seconde moitié du XIXe siècle. Les panneaux en faux-marbre imitent le campan vert, le sarrancolin et la brèche grise ou blanche. Les lambris d’appui en faux-bois imitent l’acajou. Un mobilier de fonte orne l’escalier : un lampadaire à gaz, et un porte-chapeaux-porte-parapluies de marque Corneau Frères à Charleville. Sur le premier palier, deux bustes représentent des membres illustres de la famille de Madame Sabatier d’Espeyran. Le portrait de son grand-oncle, le Cardinal de Cabrières, évêque de Montpellier de 1873 à 1921, est dû à Jean Antoine Injalbert. Celui du Baron Augustin Creuzé de Lesser, Préfet l’Hérault de 1817 à 1830 fut sculpté en marbre par Auguste Baussan.
Dans le vestibule, les perspectives sur l’antichambre et la chambre laissent entrevoir la somptuosité des collections d’arts décoratifs du XVIIIe siècle. La tapisserie d’Aubusson dite « La Chienne Tane » occupe une place de choix à l’entrée du parcours. Elle représente l’animal favori de Louis XIV. Le modèle est tiré de l’œuvre de François Desportes (1661-1743) illustrant les chiennes de chasse du roi pour Marly. Un mobilier de bois doré orne cet espace d’accueil. Les deux fauteuils à la reine, aux Fables de la Fontaine, et le canapé appartiennent à une suite de treize assises exposée dans la pièce attenante. Sur la table, inspirée du XVIIe siècle, figure une statue équestre de Louis XV en bronze, d’après l’œuvre de Jean-Baptiste Lemoyne (1704-1778).
Le mobilier de l’antichambre évoque l’époque de la Régence. Deux commodes illustrent les origines de la grande ébénisterie française. L’une à trois rangs de tiroirs, solidement architecturée par deux montants cannelés, conserve l’esprit classique du mobilier du Grand Siècle. La commode galbée en arbalète est un chef-d’œuvre du legs Rouayroux. Les bronzes dorés rocaille se détachent sur le placage en frisage de bois de violette. Les lignes plus souples se font jour au début du XVIIIe siècle. La chaise longue cannée, aux formes chantournées, porte l’estampille de Pierre Nogaret, maître menuisier en siège à Lyon en 1745. Quatre fauteuils à la reine, aux Fables de La Fontaine, sont estampillés de Claude 1er Sené (maître en 1743). Le décor floral de la traverse supérieure des dossiers décline entre les quatre sièges l'éclosion d'un bouton de fleur. Au mur, deux tapisseries au point de Saint-Cyr du XVIIe siècle complètent le décor.
Le règne de Louis XV et le style Rocaille président à l’aménagement du salon d’angle. Il est orné de pièces maîtresses de la collection : la commode marquetée de branchages fleuris, estampillée par Adrien Delorme (maître en 1748) et le régulateur de parquet de l’horloger Jean-Baptiste Baillon. Les profils galbés, le raffinement des décors floraux de marqueterie et les bronzes inspirés du monde végétal offrent au mobilier une rare élégance. Les meubles d’agrément, mobiles et légers se multiplient. La table à écrire et le secrétaire en pente conviennent à l’univers intimiste des salons. Les sièges dits "en cabriolet", au dossier incurvé, se déplacent dans les pièces au gré des usages, gagnant ainsi leur appellation de meubles volants. Les deux fauteuils cabriolet portent la prestigieuse estampille de Nicolas Quinibert Foliot (maître en 1729), fournisseur du Garde-Meuble de la Couronne. Le paravent est une réalisation méridionale. Les cinq toiles peintes qui le composent illustrent les petits métiers.
Un riche mobilier en bois doré orne la chambre avec son imposant lit à la turque et sa suite de fauteuils à la reine. Les tapisseries des assises reprennent l’iconographie classique des Fables de La Fontaine créée dans les grandes manufactures royales et diffusée de manière récurrente par les ateliers d’Aubusson au cours du XVIIIe siècle. Aux murs, les tentures mettent en avant l’art des lissiers dont les tapisseries magnifièrent les grands décors des demeures aristocratiques. Le passage des formes mouvementées du style Rocaille à la stricte architecture des créations du règne de Louis XVI est abordé grâce à plusieurs meubles Transition, l’âge d’or des tabletiers marqueteurs. La marqueterie du bonheur-du-jour rappelle l’art de Topino. Ce meuble de dame, très à la mode aux environs de 1760, tient lieu de bureau. Il révèle les besoins nouveaux en matière de meubles à usage intime liés à l’activité épistolaire. Deux secrétaires à abattant témoignent de la diversification des modèles.
Le cabinet de travail clôt le parcours, le néoclassicisme y règne en maître. Meuble emblématique de la fin du XVIIIe siècle, le secrétaire à cylindre de l’ébéniste Ferdinand Bury (maître en 1774) est un modèle exemplaire de ce style que l’on disait « à la grecque ». Les bronzes dorés soulignent avec une extrême finesse les lignes rigoureuses et élégantes des meubles d’ébénisterie plaqués en bois de fil. Un ensemble remarquable de grands bronzes ornementaux agrémente cette pièce. La paire de candélabres, composés de figures féminines drapées à l’antique, est attribuée au célèbre bronzier François Rémond. Le lit « bateau » en tôle peinte et ses ornements sont inspirés de l’Antiquité comme le dossier ajouré en forme de lyre des deux chaises estampillées du menuisier nîmois Pillot. Les tableaux et les céramiques antiques mises en situation évoquent l’univers des collectionneurs qui tels François-Xavier Fabre (1766 - 1837) et Antoine Valedau (1777 - 1836) présidèrent à la création du musée Fabre.